A continuación, algunas imágenes de mi experiencia en ésta Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil 2013. Espero volver pronto. 

VISITA A LA FERIA DEL LIBRO INFANTIL Y JUVENIL 

Bien pues yo acudí a ésta Feria en Domingo en compañía de unos compañeros de mi salón de clases.
Un día anterior, fue cuando nos pusimos de acuerdo para ver dónde y a qué hora nos veríamos. Acordamos que sería en la mañana, a las 11:30 am

Bueno pues yo salí de mi casa a las 11:30. Allí esperaba ya una compañera que fue la primera en llegar. Después esperamos a que llegará la otra persona que nos iba a acompañar. Pues llegó 10 min. después que yo; estando ya los tres que iríamos. tomamos un taxi que nos llevase al Estadio Azteca, que era donde salían nuestros camiones dirigidos a La Feria.

Estando en el Estadio, tomamos un camión que nos llevará directamente a La Feria. Pues llegamos y caminamos tan solo unos mts. para la entrada de La Feria Del Libro.

Al llegar, yo suponiía que habría más gente de lo esperada. Sí habían varias personas, pero me imaginé aún más.

Y estando dentro, comenzamos a ver las variedades que nos otorgaba la Feria, sin embargo, ninguno de los tres se animó a comprar algún libro. Momentos después nos encontramos a una compañera de nuestro salón de clases, que nos hizo favor de tomarnos una foto a los tres amigos que veníamos.

Bueno pues nos fuimos y en lo personal, se me hizo más largo el regresó, tal vez por la intensidad de sol que aumentó transcurriendo el día/tarde.

Saliendo del lugar, como aún era muy temprano, los tres decidimos pasar a otro lado, y así fue, pasamos a Coyoacan a comer porque moríamos de hambre y lo que vendían allá estaba demasiado caro para lo que era, o no nos gustaba. Entonces una amiga me dijo que por el Centro de Coyoacan vendían unas crepas muy buenas, entonces decidimos ir para ese rumbo. Que por cierto a nuestro camión lo detuvo una patrulla, y nos tuvimos que bajar, pero justo en ese momento el conductor ya venía al camión.

Y pues llegamos al Centro de Coyoacán y estuvimos allí un buen rato comiendo y platicando, y ya como a las 4:30 nos fuimos de ahí para partir al Estadio Azteca y que cada quien se fuera a su casa, Y así fue, primero esperamos a que llegará el transporte de una amiga, que llegó a los 5 min. de espera. Después quedamos una compañera y yo, arrumbamos al camión y yo me bajé, un poco antes que ella. Y así fue como llegué a mi casa tranquilo, contento y con buenas sensaciones.

EPITAFIO (2)

Aquí permanecen los restos de Azahel.
Una persona un poco egoísta,
que odiaba a la gente prejuiciosa,
penoso ante la gente que no conocía del todo.
Todo lo que hacía lo tenía que hacer escuchando música.
Era demasiado flojo cuando se trataba de hacer algo que fuera de la escuela...
Pero sobre todo, odiaba el que lo dejaran leer.

EPITAFIO (1)

Aquí descansan los restos de Azahel.
Una persona muy sociable,
que le gustaba practicar mucho el deporte y,
se preocupaba mucho por sus salud y la de los demás.
Le gustaba ayudar a las demás personas con sus problemas.
Pero sobre todo, demostraba mucho respeto hacía las personas que se encontraban en su entorno.

. El día miércoles, hicimos una visita al teatro, en el cual pudimos observar la obra de Amor De Las Luciérnagas.

Fue una obra fantástica, el drama, la comedía y la escenografía muy sobresalientes.

La actuación de los personajes me pareció excelente, puesto que hacían muy real su papel.

La historia de esta obra, a mi entender es una de las mejores, categóricamente hablando.

Además pudimos ver a detalle cómo es que de realizaba una obra de teatro.

Fue una experiencia estelar a la que me gustaría ir nuevamente.

RESEÑA MUSEO: DOLORES OLMEDO...

 

BUENO, PUES FUIMOS EL DIA JUEVES DE LA SEMANA PASADA SALIENDO DE LA SECUNDARIA FUI CON MIS COMPAÑEROS AZAHEL,VICTOR,JUAN Y YO YA POR LA FALTA DE DINERO NOS FUIMOS CAMINANDO FUE DIVERTIDO YA QUE LA PASAMOS BROMEANDO Y MAS , LLEGANDO AL MUSEO DESPUES DE APROXIMADAMENTE  45 MIN  ENTRAMOS DEJAMOS LAS MOCHILAS , NOS DIERON UNA PULSERA PARA SABER QUE ENTRABAMOS  GRATIS ,PASAMOS VIMOS QUE EL PATIO ERA MUY GRANDE PERO PASAMOS RAPIDO YA QUE ESTABA LLOVIENDO ENTRAMOS A UNA CASA AMPLIA DONDE PODIAMOS ADMIRAR SUS PERTENENCIAS DE “DOLORES OLMEDO” DESPUES FUIMOS ALA CAFETERIA PREGUNTAMOS LOS PRECIOS Y ERAN DEMACIADO ELEVADOS PASAMOS A UNA EXPOCISION QUE HABIA EN ESE MOMENTO TOMAMOS FOTOS Y NOS FUIMOS NOS REGRESAMOS CAMINANDO POR LA DECISIÓN DE MI COMPAÑERO JUAN Y NO MOJAMOS DEMACIADO YA QUE EMPEZO A LLOVER DEMACIADO ENTRE INSULTOS Y DEMAS CADA QUIEN LLEGO A SUS CASAS Y AHÍ FUE DONDE TERMINO LA VISITA AL MUSEO…  

Jean-Paul Charles Aymard Sartre (París, 21 de junio de 1905 – ibíd., 15 de abril de 1980), conocido comúnmente como Jean-Paul Sartre, fue un filósofo, escritor, novelista, dramaturgo, activista político, biógrafo y crítico literario francés, exponente del existencialismo y del marxismo humanista. Fue el décimo escritor francés seleccionado como Premio Nobel de Literatura, en 1964, pero lo rechazó explicando en una carta a la Academia Sueca que él tenía por regla declinar todo reconocimiento o distinción y que los lazos entre el hombre y la cultura debían desarrollarse directamente, sin pasar por las instituciones. Fue pareja de la también filósofa Simone de B

Los padres de Sartre fueron Jean-Baptiste Sartre, un oficial naval, y Anne-Marie Schweitzer, hermana de Albert Schweitzer. Su padre murió de fiebre cuando él tenía apenas quince meses, y Anne-Marie lo crió con ayuda de su abuelo, Charles Schweitzer, quien enseñaría matemáticas a Jean-Paul y le introduciría desde muy joven a la literatura clásica.

La filosofía le atrajo desde su adolescencia en los años veinte, cuando leyó Essai sur les données immédiates de la conscience (Ensayo sobre los datos inmediatos de la consciencia) de Henri Bergson. Influenciado por Immanuel Kant, Georg Wilhelm Friedrich Hegel, Søren Kierkegaard, Edmund Husserl, y Martin Heidegger, entre otros.

Estudió en París en la "elitista" École Normale Supérieure, graduándose en 1929 con un Doctorado en Filosofía. Es durante sus estudio que conoció a Simone de Beauvoir y a Raymond Aron. Sartre y de Beauvoir se volvieron compañeros inseparables durante el resto de sus vidas, quienes juntos combatieron las suposiciones y expectativas de la vida burguesa llevando una relación no monógama.[cita requerida].

Fue soldado conscripto del Ejército Francés entre 1929 y 1931. Declaró posteriormente en 1959, que cada francés era responsable colectivamente de los crímenes durante la Guerra de Independencia de Argelia (que era una colonia francesa).2

En 1939 Sartre sirvió como meteorólogo en el Ejército Francés durante la Segunda Guerra Mundial. 3 Fue capturado por tropas alemanas en 1940 en Padoux, pasando 9 meses como prisionero de guerra en Nancy y luego en Stalag.

 En 1964 rehusó el Premio Nobel de Literatura, alegando que su aceptación implicaría perder su identidad de filósofo.

Su vida se caracterizó por una actitud militante de la filosofía. Se solidarizó con los más importantes acontecimientos de su época, como el Mayo Francés, la Revolución Cultural china —en su etapa de acercamiento a los maoístas, al final de su vida— y con la Revolución Cubana. A pesar de su abrumadora fama mundial, Sartre mantuvo una vida sencilla, con pocas posesiones materiales y activamente comprometido a varias causas hasta el final de su vida.

Falleció el 15 de abril de 1980, a los 74 años de edad, en el hospital de Broussais tras una enfermedad, que de hecho le apartó de la dirección de Libération años antes. Fue enterrado el 20 de abril, rodeado de una inmensa multitud. Más de 20.000 personas acompañaron el féretro hasta el cementerio de Montparnasse, en París, donde descansan sus restos.

 

 Tumba de Jean-Paul Sartre y de Simone de Beauvoir, en el cementerio de Montparnasse (París, Francia).

Pensamiento[editar fuente]

 

Artículo principal: Existencialismo.

 

En una primera etapa desarrolló una filosofía existencialista, a la que corresponden obras como El ser y la nada (1943) y El existencialismo es un humanismo (1946). Desde que en 1945 fundó la revista Les Temps Modernes se convirtió en uno de los principales teóricos de la izquierda. En una segunda etapa se adscribió al marxismo, cuyo pensamiento expresó en La crítica de la razón dialéctica (1960), aunque él siempre consideró esta obra como una continuación de El ser y la nada.

 

Sartre considera que el ser humano está "condenado a ser libre", es decir, arrojado a la acción y responsable plenamente de su vida, sin excusas. Aunque admite algunos condicionamientos (culturales, por ejemplo), no admite determinismos. Concibe la existencia humana como existencia consciente. El ser del hombre se distingue del ser de la cosa porque es consciente. La existencia humana es un fenómeno subjetivo, en el sentido de que es conciencia del mundo y conciencia de sí (de ahí lo subjetivo). Sartre se forma en la fenomenología de Husserl y en la filosofía de Heidegger (discípulo éste de aquél). Se observa aquí la influencia que ejerce sobre Sartre el racionalismo cartesiano. En este punto se diferencia de Heidegger, quien deja fuera de juego a la conciencia

 El hombre es el único que no sólo es tal como él se concibe, sino tal como él se quiere, y como se concibe después de la existencia, como se quiere después de este impulso hacia la existencia; el hombre no es otra cosa que lo que él se hace. Éste es el primer principio del existencialismo.

 

La náusea (La Nausée en Francés) es la primera novela filosófica de Jean Paul Sartre (1905-1980). Es, en suma, el resultado de todo el período de formación del filósofo francés Jean-Paul Sartre, especialmente ligado a su estadía en Alemania (Maison Académique Française de Berlin: 1933-1934), a su discipulado de Husserl y de la escuela fenomenológica; y al mismo tiempo, al estudio minucioso, que tanto influyó en él, de lo que hasta ese momento había publicado Heidegger.

 

La primera redacción de la novela se remonta a 1931, cuando Sartre tenía veintiséis años. Fueron agregadas reestructuraciones en 1934 y en 1936. La versión definitiva, la que ha de publicarse, es la de 1938. La intención del autor era llamarla Melancolía I, tomando el título de uno de los grabados de Alberto Durero. En el momento de la publicación triunfará la posición de Gallimard, y el nombre de la obra será el que tuvo.

 

Giovanni Battista Lorenzo Bernini 1598- 1680

  
Fue uno de los artistas más sobresalientes del barroco italiano. Su actividad artística no se reduce a la escultura, también fue un gran arquitecto, pintor, dibujante y escenógrafo; concibió espectáculos de fuegos artificiales, realizó monumentos funerarios y fue autor teatral. Su arte es la quintaesencia de la energía y solidez del barroco en su apogeo. En la escultura, su gran habilidad para plasmar las texturas de la piel o de los ropajes, así como su capacidad para reflejar la emoción y el movimiento, eran asombrosas. Bernini introdujo cambios en algunas manifestaciones escultóricas como los bustos, las fuentes y las tumbas. Su influencia fue enorme durante los siglos XVII y XVIII, y puede comprobarse en la obra de maestros como Pierre Puget, Pietro Bracci y Andreas Schlüter. Toda su vida la dedicó al trabajo y su trayectoria se caracteriza por el gran número de proyectos que emprendió. Desarrolló su carrera casi por completo en Roma, aunque había nacido en Nápoles el 7 de diciembre de 1598. Su padre, Pietro Bernini, un escultor de talento del manierismo tardío, fue su primer maestro. Sin embargo, pronto el hijo superó al padre, según señalan las principales fuentes de información sobre Bernini: la biografía de Filippo Baldinucci (1682) y la de su hijo Domenico Bernini (1713). Muchas de sus primeras esculturas estaban inspiradas en el arte helenístico. La cabra Amaltea amamantando a Zeus niño y un joven sátiro (que últimamente se cree es de 1609, Galería Borghese, Roma) es un ejemplo típico del gusto por lo clásico del entonces joven escultor. Los grupos escultóricos de maestros anteriores, como Giambologna, se caracterizaban por el hecho de haber sido concebidos para poder ser rodeados por el espectador y ser vistos desde diferentes ángulos. Sin embargo, los grupos escultóricos de Bernini de la década de 1620, como El rapto de Proserpina (1621-1622, Galería Borghese, Roma), presentan al espectador una visión desde una perspectiva única sin sacrificar por ello nada del dramatismo inherente a la escena. También de la década de 1620 son sus primeros proyectos arquitectónicos, como la fachada de la iglesia de Santa Bibiana de Roma (1624-1626) y la creación del magnífico baldaquino (1624-1633), dosel sobre el altar mayor de la basílica de San Pedro, que fue un encargo del papa Urbano VIII, primero de los siete pontífices para los que trabajó
Este proyecto, obra maestra de ingeniería, arquitectura y escultura, fue la primera de una serie de obras monumentales para la basílica de San Pedro. Más adelante realizó las tumbas de Urbano VIII (1628-1647) y Alejandro VII (1671-1678), ambas en la basílica de San Pedro, que, al incorporar figuras tridimensionales en actitud dinámica, difieren notablemente del enfoque puramente arquitectónico de los sepulcros realizados por artistas anteriores. En la colosal Cátedra de San Pedro (la silla gestatoria, 1657-1666), en el ábside de la basílica, utilizó el mármol, el bronce dorado y el estuco en una espléndida composición en movimiento ascendente, que adquiere un mayor dramatismo con la ventana oval de oro que tiene en el centro y que se convierte en el punto focal de toda la basílica. Bernini fue el primer escultor que tuvo en cuenta el dramatismo potencial de la luz en los grupos escultóricos. Esto se evidencia aún más en su famoso Éxtasis de santa Teresa (1645-1652, Santa Maria della Vittoria, Roma), donde los rayos del sol, surgidos de una fuente invisible, iluminan a la santa en trance y al ángel sonriente que está a punto de traspasarle el corazón con una flecha de oro. Los numerosos bustos que realizó expresan un sentimiento análogo de convincente realismo dramático, tanto los de carácter alegórico como El alma condenada y El alma salvada (ambas de aproximadamente 1619, Casa de España, Roma), como los que eran retratos, por ejemplo el del Cardenal Scipione Borghese (1632, Galería Borghese) o el de Luis XIV de Francia (1665, Palacio de Versalles). Dentro de las obras arquitectónicas no religiosas de Bernini se incluyen proyectos para diversos palacios: el palacio Ludovisi (actualmente palacio Montecitorio, 1650) y el palacio Chigi de Roma (1664), así como unos diseños para el Louvre, proyecto que no llegó a ejecutarse y que presentó a Luis XIV en 1665, durante una estancia de cinco meses en París. Bernini proyectó también tres iglesias: la de Castelgandolfo (1658-1661) construida sobre planta de cruz griega, y la de Ariccia (1662-1664) con planta circular.
La tercera es su mayor logro dentro de la arquitectura religiosa: el templo de San Andrés del Quirinal (1658-1670) de Roma se construyó sobre planta oval con un porche ovoide que se extiende por delante de la fachada, reproduciendo los ritmos interiores del edificio. El interior, decorado con mármol oscuro de diferentes colores, tiene una bóveda oval decorada en blanco y oro. También son de la década de 1660 la Scala Regia (Escalera real, 1663-1666), que conecta las habitaciones papales del palacio del Vaticano con la basílica de San Pedro, y la magnífica Plaza de San Pedro (diseñada en 1667), que enmarca la entrada a la basílica dentro de un espacio oval dinámico formado por dos columnatas semicirculares. Entre las fuentes de carácter escultórico diseñadas por Bernini destaca la espectacular Fuente de los cuatro ríos (1648-1651) en la Piazza Navona. Bernini ejerció su actividad prácticamente hasta su muerte, el 28 de noviembre de 1680. Su última obra, El busto del Salvador (Museo Chrysler, Norfolk, Virginia), presenta una imagen de Cristo sobria y contenida que hoy día ha sido interpretada como la actitud de calma y resignación de Bernini ante la muerte.


OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS DEL BARROCO ITALIANO

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• SAN ANDREA AL QUIRINALE (1658-1670)

 
Con este edificio Bernini revoluciona el concepto de arquitectura religiosa vigente en el siglo XVI. Retranqueándose con respecto a la calle donde se sitúa, dos alas cóncavas llevan la mirada del espectador hacia el plano vertical de la entrada de la iglesia, rematado por un frontón y que se proyectaba hacia adelante por medio de la curva convexa de un pequeño pórtico adintelado, sobre dos columnas exentas, elevado gracias a la escalinata semicircular en la que se asentaba. A la sobriedad de las alas se opone la riqueza vertical de la fachada, con su pórtico aéreo entre pilastras monumentales.
La fachada, retraída bajo una estructura curva que la envuelve desde su base, está compuesta con elementos propios de la arquitectura clásica: un friso con motivos griegos, columnas corintias y triángulos y semicírculos romanos.

En lo alto de está sobresale el escudo de armas del príncipe Camilo Pamphili quién había encomendado a Bernini el proyecto.
El espacio interior es de planta elíptica colocada en sentido transversal al eje que unía la entrada y el altar mayor. Cuatro capillas, separadas por pilastras corintias acanaladas, se abren a cada lado de la capilla mayor adintelada, las laterales, también adinteladas y con balcones por encima.

• Principales Características:

Planta 

• Dos alas cóncavas llevan la mirada del espectador hacia el plano vertical de la entrada de la iglesia
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• Rematado por un frontón y que se proyectaba hacia adelante por medio de la curva convexa de un pequeño pórtico adintelado
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• Sobre dos columnas exentas, elevado gracias a la escalinata semicircular en la que se asentaba
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• A la sobriedad de las alas se opone la riqueza vertical de la fachada, con su pórtico aéreo entre pilastras monumentales
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• El espacio interior es de planta elíptica colocada en sentido transversal al eje que unía la entrada y el altar mayor.
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¿QUÉ ES UN MOVIMIENTO ARTISTICO?
Un movimiento artístico es una tendencia referente al arte, con una filosofía o estilo común, seguida por un grupo de artistas durante un período (como el movimiento dadaísta o el pop-art), o característico de una época más extensa de la Historia del Arte, como el renacentista o barroco.

 

¿QUE ES BARROCO?

El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica.

 

¿QUE ES VANGUARDISMO?

El vanguardismo, o avant-garde en francés, 1 se refiere a las personas o las obras que son experimentales o innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura y la política.El vanguardismo representa un empuje de los límites de lo que se acepta como la norma o statu quo, sobre todo en el ámbito cultural. La noción de la existencia del vanguardismo es considerado por algunos como una característica del modernismo, a diferencia de la posmodernidad. Muchos artistas se han alineado con el movimiento avant-garde y aún continúan haciéndolo, trazando una historia a partir del dadaísmo pasando por los situacioncitas hasta artistas posmodernos como los Poetas del Lenguaje alrededor de 1981.

¿QUE ES CONTEMPORANEO?

El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ser entendido de diferentes maneras:

Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)

Limitado:

Al arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas);

al arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte contemporáneo a las colecciones de ese período) y actualmente se entiende que es el surgido de la caída del muro de Berlín -1989-;al arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito, por ejemplo, el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York -2001-.

Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte independiente, etc. Véase también estudio de la historia del arte).

Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970).

 BARROCO…


VANGUARDISMO…